Pompeyo Audivert es actor, dramaturgo, director, docente, un verdadero experimentador teatral. Acaba de estrenar en la Sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación su nueva propuesta Habitación Macbeth, basada en el texto que William Shakespeare escribió en los albores del siglo 17 y que, más de 400 años después y en plena pandemia, Audivert tomó en sus manos laboriosas y creativas. Esta charla es una versión, casi textual, de la realizada en el programa radial Reunión Cumbre por la AM 750.

Por Carlos Ulanovsky*

(para La Tecl@ Eñe)

-Carlos Ulanovsky: Hoy (la entrevista fue realizada el pasado sábado 27 de marzo) es el día internacional del teatro. ¿No te parece una señal muy positiva la posibilidad de estrenar en semejante fecha?

-PA: No fue algo buscado o deliberado. Nos dimos cuenta hace pocos días y nos pareció algo estimulante. Ojalá que los astros se alineen en torno a la obra y que sea auspicioso para la obra y para nosotros.

(En 1954 la Unesco instituyó esta fecha inspirada en el día en que se iniciaba la temporada en el teatro de las Naciones de París. Eran momentos de posguerra y de reconstrucción en toda Europa. Desde entonces, en cada año, se le pide a una figura emblemática de la actividad que se refiera a la efeméride con un mensaje.)

-CU: ¿Hubo alguien, o algunos, que a vos te fueron marcando tu vocación y señalando tu camino a los escenarios?

-PA: Mi entrada a la teatralidad fue bastante casual, algo inesperado y que no estaba en mi perspectiva. Yo era un jóven de 15 años, mandaba la dictadura, y casi todos los días, con otros amigos jóvenes nos juntábamos, primero que nada, para hablar, en un bar de la calle Corrientes llamado Los Pinos. Estábamos muy fascinados con el surrealismo, con tendencias como la escritura automática, fascinados con las técnicas de expresión actoral, en ese momento tan de moda. Y, de pronto, empezaron a haber muchas redadas policiales, nos sacaban de ese bar o de otros y nos llevaban a pasar una noche en condiciones represivas, horribles. Entonces varios de los chicos, decidieron que no era el momento para andar en la calle o en los bares y fueron a estudiar teatro en la escuela de Alejandra Boero. Para no quedar en banda los seguí y también me inscribí. Ahí encontré no solo un lugar seguro, puertas adentro, sino una actividad que me prendió. Algunos de mis amigos abandonaron al poco tiempo, pero yo seguí toda la vida y aquí sigo,  en la teatralidad. De ese modo empezó mi etapa de formación, primero con la Boero y también con otros maestros muy potentes como Lorenzo Quinteros y Ricardo Bartís. A ellos les debo mucho: me apoyaron, me alentaron, me señalaron un camino, así que les estoy muy agradecido.

-CU: La última vez que te vi en teatro fue haciendo la recreación de Muñeca, de Armando Discépolo. Aquello fue una fiesta de la actuación y de la reflexión. Cada una de tus actuaciones son eso: una especie de acontecimiento, en los que te metés desafiando al original. ¿Cómo pasaste este último año? ¿La pandemia te obligó a posponer proyectos? ¿Pudiste seguir con las clases o también tuviste que interrumpirlas?

-PA: En marzo del 2020 volvíamos de una temporada muy exitosa en Mar del Plata, con la obra Trastorno (versión libre de El pasado, de Florencio Sánchez), con la que recibimos varios premios importantes, entre ellos un Estrella de Mar como mejor obra. Al regreso, abrimos la temporada en el Centro Cultural de la Cooperación, hicimos dos funciones y tuvimos que suspender. Se veía venir la prohibición de la circulación y para evitar el bajón, nos fuimos de Buenos Aires con mi familia a una casa que tenemos en Mar del Sur, una playa pasando Miramar. Ahí me reduje a la casa y también a mi propio cuerpo como habitáculo teatral. Ahí se me ocurre empezar a trabajar con un texto con el que ya había tenido cierta fantasía: el Macbeth, de Shakespeare en una versión unipersonal.

-CU: ¿Qué ocurrió en tu cuerpo como habitáculo teatral?

-PA: Percibí al de la pandemia como un momento muy beckettiano, en el sentido de producir una suerte de extinción o devastación de una perspectiva histórica que nos condenaba a casi todos a permanecer puertas adentro. Y a la vez era también un momento muy shakespereano por la cantidad de fantasmagorías que el encierro provoca. Ahí empecé a construir esta versión para un solo actor, en la suposición de que también estábamos en presencia de un mundo derrumbado por la pandemia en donde los actores estamos solos, como cuerpos en medio de un páramo de huesos, rodeado por unas piedras. Y ese actor tendrá la necesidad de sostener en su cuerpo, como si fuera un médium, la teatralidad de Macbeth. En esas condiciones de exilio terminé la adaptación y aprendí y memoricé la letra en largas caminatas por la playa.

-CU: ¿Trabajabas solo?

-PA: Sí. Solo y recuerdo especialmente unas caminatas en pleno invierno o en otros momentos muy extraños como caminar pasando letra en medio de una tormenta.

-CU: ¿Tenés filmadas esas caminatas?

-PA: También lo pensé. ¡Cuánto serviría para hacer un “detrás de la obra! Toda esta operación teatral me ayudó mucho en lo personal y actoral, pero también para atravesar la pandemia.

Foto: Bernabé Rivarola.

-CU: Y ahora el estreno…

-PA: Ya con todo bastante avanzado, volví a Buenos Aires y empecé otra etapa de ensayos con Claudio Peña, el músico con el que trabajo siempre. A fines del 2020 la probamos con un público amigo, gustó y nos gustó, así que decidimos estrenarla.

– (Pregunta de Lupita Rolón): Primero quería saber si Pompeyo es su verdadero nombre y como le dicen sus cercanos. ¿Pompe? ¿Pompi?

-PA: Sí, ese es mi verdadero nombre y a veces me dicen Yito. El mio es un nombre de origen catalán, el mismo que tenía mi abuelo Pompeyo Audivert, que fue un artista plástico, especializado en grabados, muy conocido por su obra en la Argentina. De chico ese nombre me costó un poco, pero lo llevo con mucho orgullo.

-CU: Y la otra, Yito: ¿Cuándo se dio cuenta que la obra ya estaba lista?

-PA: En casi todos los trabajos sucede. Hay un momento en que uno llega a la conclusión que no hay más nada para agregar, ni para hacer. La identidad del cuerpo ya tenía coartada existencial y artística.

 -CU: ¿Viste a algún actor que te haya deslumbrado haciendo esta obra?

 -PA: Vi alguna vez un actor inglés, cuyo nombre no recuerdo ahora. Así como nosotros sabemos hacer el Martín Fierro, los ingleses saben hacer muy bien a Shakespeare. En la Argentina no ví a muchos actores hacer esta obra que también tiene fama de maldita, de yeta.

 -CU: ¿Ah sí?

 -PA: Sí, pero yo no creo mucho en esas cosas. La superstición no se me metió en el lenguaje.

 -CU: ¿Qué es lo que va a recibir el público?

Foto: Bernabé Rivarola

 -PA: Esta es una obra que desata un campo imaginario en el público, a la par del trabajo del actor. Aquí el teatro no es solo un espejo. Es, mas bien, un piedrazo en el espejo que rompe, o astilla, o fragmenta el planteo ficcional y permite que aparezcan otras zonas dorsales que están cerca de nosotros, ahí no más.

 -CU: Bueno, diría que tus piedrazos en el espejo son muy reveladores e incluso sanadores. La obra contiene en su título la palabra habitación. ¿Qué crees que te hubiera dicho Shakespeare si te sorprendía trabajando en una habitación de tu casa de Mar del Sur?

 -PA: En esa condición casi delirante del encierro, rodeado por muchas de las traducciones de Macbeth, en cierto momento me permití pensar, o sentir, que me asistían ciertas personas, y una de esas era Shakespeare y me pregunté si él me daría su venia sobre lo que estaba haciendo.

 -CU: Yo creo, Pompeyo, que primero don William te diría; ‘Mucho gusto jovencito, como está. Ya me habían hablado muy bien de usted’. Él te felicitaría y te preguntaría, ‘ ¿Qué anda buscando en mis obras?’.

-PA: (Se ríe) Y yo le respondería que en sus obras trato de enhebrarme en su aliento poético, en la maravilla de sus palabras que llevan las cosas a otro lugar.

 -CU: ¿Cómo es ese lugar?

 -PA: Es una zona que abre otro campo de la realidad: mágica, enmilagrada, en donde hay máscaras, personajes que son poseídos por fuerzas sobrenaturales, brujas, en donde el destino cambia abruptamente y los personajes se interrogan hasta llegar muy, muy atrás.

 -CU: ¿Para qué sirve el teatro?

 -PA: El teatro ayuda a responder a las preguntas esenciales y básicas: de donde venimos, quiénes somos, hacia adonde vamos. Por eso es tan importante e insustituible. Para eso nos hicimos actores, para poder responder todas esas preguntas. Yo, desde que era muy jóven.

Habitación Macbeth, con dramaturgia, dirección y actuación de Pompeyo Audivert, con Claudio Peña (chelo en vivo) puede verse sábados a las 21 horas y domingos a las 20 en la Sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación, Corrientes 1543. Entradas: www.alternativateatral.com.ar

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Por Liliana Fijtman

(para La Tecl@ Eñe)

En su texto sobre teatro “El piedrazo en el espejo”, Pompeyo Audivert, autor y director de “Muñeca”, “Trastorno”, co-autor de “El Farmer”, por nombrar sólo algunas de sus obras, sostiene que: “El teatro debe ser la piedra que rompe el espejo. Primero, hasta romper el espejo, el teatro es la piedra, luego de que lo rompe el teatro vuelve a ser el espejo, la piedra sigue su viaje en dirección al centro del misterio a donde van las fuerzas ciegas, el teatro queda en la superficie rota dando cuenta de los restos de una plenitud refleja y a la vez revelando lo que la sostenía como la naturaleza que estaba oculta, paralizada, tras la lápida reflejo. Al romperse el espejo ya nada queda en su lugar, los fragmentos flotan en distintos niveles…”

Edipo en Ezeiza tiene las características de las obras de Pompeyo: los cruces entre la obra y la historia del país, la dualidad entre realidad y representación, el lugar y la acción del actor/actriz. La pregunta por la verdad, que es en lo que se puede creer. La dualidad incluso consigo mismo, la duda y desconfianza hacia los otros y también al interior de cada ser.

Las obras de Pompeyo suelen ser y esta también lo es, indagaciones. No es complaciente con el espectador, que sale siempre atravesado y tal vez enriquecido con nuevos interrogantes. La fragmentación, la segmentación del discurso que busca descubrir al infiltrado, al traidor disfrazado. Una familia desmembrada, el padre, la madre, el hijo con sus identidades alteradas a partir de un iniciático y terrible picnic en Ezeiza a partir del cual se desmorona todo. Un hecho clave a partir del cual se desarrolla la acción: la vuelta de Perón en el 73 y la masacre de Ezeiza. Así, pone el foco en la tortura, en los interrogatorios, en la forma de actuar y pensar de los grupos de tareas, del robo de bebés. La mentira, el ocultamiento, la duda y la paranoia; la necesidad de esconderse o de cambiar de nombre, de residencia.

Un proyecto de país y el fracaso de la propuesta colectiva.

Con una puesta interesante y el trabajo serio y convincente de Julieta Carrera, Hugo Cardozo y Francisco Bertín, “Edipo en Ezeiza” se presenta en El Picadero el domingo 21 de noviembre a las 18 horas.

Entradas por Plateanet.

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Por Andrés Mangone*

(para La Tecl@ Eñe)

Para cuando estrenamos “Unidad Básica”, en 2003, con Pompeyo veníamos compartiendo la dirección de la investigación y la formación de alumnas y alumnos en su estudio El Cuervo desde hacía ya unos cinco o seis años, en los cuales habitualmente incorporábamos temas muy propios de la historia de nuestro país para agitar nuestras producciones. Y continuamos con esa estrategia durante muchos años más, como son los casos de “Museo Ezeiza 73”, “El Farmer”, “Muñeca” y “Trastorno”, por nombrar algunos. Pero lo cierto es que los temas, a los cuales solíamos llamar “aparentes”, entraban en juego como elemento secundario de la composición escénica. Nuestro eje siempre ha sido la actuación como núcleo de la producción dramática, independiente y anterior a cualquier circunstancia temática. “Aparente” porque efectivamente nuestras escenas se enmascaran en asuntos reconocibles para facilitar la pertenencia al hecho teatral, pero nuestra política compositiva rompe con fines serviles a relatos y representaciones, para dirigir las fuerzas de ocupación y parasitación del tiempo y el espacio anidadas en los cuerpos actuantes, con la fe de acceder a través de las relaciones de actuación a expresiones mucho más intensas y singulares, propias de la capacidad de asociación libre de la que somos capaces en el seno del ensayo. Quiero decir, la potencia expresiva desatada en nuestros trabajos casi que podría prescindir de los asuntos superficiales que aparentan tramitar, o podrían ser reemplazados por otros, y el material estaría casi intacto en su naturaleza teatral. Y digo “casi” porque no negamos que los temas seleccionados o capturados en las investigaciones finalmente aportan su fuego propio, o su propia capacidad de encender aún más el dispositivo, y más aún, la relación misma con el público se establece en un campo de unidad y pertenencia que habilita unas señalizaciones en la ruta poetizante que pretendemos. Pero los fines de ardor poético teatral, requieren una política formalista que, al mismo tiempo, mantenga viva la fuerza de distanciamiento, el ejercicio técnico actoral para desplazar los límites de representación a una zona lindante provocadora. Las señales están presentes durante el hecho, y también traicionadas. Así es como pensamos la teatralidad, pertenencia y ruptura, territorio y desterritorialización, la escena es tal cuando los cuerpos ocupan un espacio, munidos de una política de composición y una serie de consignas formales para organizar el dramatismo de vernos lanzados a la zona liberada.

“Unidad Básica” es un ejemplo de producción teatral bajo estas coordenadas, y de una política de encuentro en el tiempo incierto, muy difícil de sostener en estos días tan críticos para la población. También es cierto que hay similitud entre el presente y el año 2002, durante el cual un grupo de estudiantes de El Cuervo se juntó durante meses por fuera de las clases a improvisar con la técnica incorporada. Luego de acumular ensayos y grabaciones, se generó una cantidad de escrituras dramatúrgicas de participación colectiva, que finalmente fueron podadas y fijadas por la dirección, para pasar a un proceso de ensayo tradicional. La obra nos sumerge en una casa local partidaria de dudosa localización en el tiempo y el espacio de la patria, habitada por un matrimonio y un supuesto hijo al que llaman también “indio”. Esta familia rota por donde se la mire, suspendida y atrapada en la incertidumbre y la soledad, recibe de pronto la visita de Beto y Pelusa, dos compañeros que huyen por el sur del país escapando de un golpe. En esta dinámica de encierro cíclico, cinco cuerpos se atrincheran en un escenario con el fin de entregar sus gritos sagrados, disimulando sus identidades poéticas bajo consignas y personajes. Los golpes se repiten, y también la capacidad de resurrección. Así estamos, temblorosos en el borde de un proscenio. Una luz precaria se enciende y se agitan rastros de una ferocidad adormecida. Queremos componer algo, necesitamos despertar porque llegamos a esta zona del tablado lindante con el abismo: “Queremos salir de acá, pero no sabemos cómo…”.

*Codirector, junto a Pompeyo Audivert, de “Unidad Básica”. La obra se puede ver los domingos a las 18.30hs en la Sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación.

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