Por Osvaldo Quiroga*

(para La Tecl@ Eñe)

La noche del 6 de agosto de 1981 no fue una noche más. La dictadura militar, aun en su declive, tenía la potencia necesaria para continuar el trabajo de destrucción sobre las fuerzas populares que había empezado en marzo del 76. Pero esa noche, en la que las funciones de Teatro Abierto colmaban la sala y las actrices y actores exponían su propia vida en cada función, dado que los llamados grupos de tareas podían ingresar al teatro y matar o secuestrar al voleo, algo quedó demostrado de manera contundente: las fuerzas de la cultura enfrentaban el horror con las armas del arte.

En la esquina del Pasaje Enrique Santos Discépolo y Corrientes la gente de teatro se reunía con periodistas –yo era crítico de teatro del diario La Nación– y mientras las llamas destruían la sala principal, más que lágrimas en los ojos todos teníamos la voluntad de seguir adelante con el proyecto. Hoy, a cincuenta años del golpe, sigo pensando en la valentía de los intérpretes, directores, dramaturgos y técnicos que se jugaban la vida en cada función. Porque el teatro ha sido siempre y será cosa de cuerpos. Los cuerpos de actrices y actores y los cuerpos de los espectadores. Nada más. Los dictadores saben que no hace falta leer a Spinoza para intuir todo lo que puede un cuerpo. Para ellos un cuerpo en acción es siempre un blanco.

Las obras que se presentaban en Teatro Abierto aludían a la dictadura. Las metáforas sobre el horror cruzaban una y otra vez el escenario. Los dramaturgos, valiéndose de diversos procedimientos estéticos, daban cuenta de la barbarie de la dictadura, de sus cárceles ocultas, de los sótanos donde se torturaba, de las embarazadas que parían, de los Ford Falcón que atravesaban la ciudad con sus ametralladoras exhibidas en las ventanillas y de los ecos de los vuelos de la muerte que arrojaban a seres humanos al Río de la Plata. Casi todos teníamos un amigo desaparecido, un hermano en el exilio, una novia pedida para siempre y cierta tristeza a la que se la combatía con la acción.

Teatro Abierto contó con la generosidad del empresario Carlos Rotemberg, que inmediatamente ofreció el Tabarís para que  continuaran las funciones. El resultado fue un notable éxito de público y de crítica. Una vez más el teatro había demostrado que las espadas de utilería pueden enfrentar y triunfar en más de una batalla. La huella que dejó la experiencia de Teatro Abierto aún perdura. El problema es que las huellas de la dictadura también acechan el presente. Por eso es tan importante para el gobierno de ultraderecha de Milei librar lo que él llama, desde su infinita ignorancia, la batalla cultural.

Roland Barthes sostiene que la palabra es irreversible, no es una fatalidad. Las formas del decir no están separadas de lo que se dice. El lenguaje de los nuevos fascismos es binario y elemental. El pensamiento más profundo no admite certezas y hace de la incertidumbre y del temblor su mayor virtud.

Ahora bien, ¿qué pasa con nuestra sociedad a cincuenta años del golpe cívico militar? Lo primero que salta a la vista es que el plan del nefasto José Alfredo Martínez de Hoz se impone en la economía y en las leyes que pretenden regir los sistemas de esclavitud contemporánea. Pero no es solo eso. La poeta chaqueña Claudia Masin va un paso más allá cuando escribe: “¿Qué es para mí una posición política? Hacer estallar lo que el sentido común de una sociedad y de un tiempo dictan como lo normal y lo valioso; exponer su inconsistencia y, fundamentalmente, dejar de escribir lo que nos fue dictado como si fuera propio”.  En definitiva, se trata de volver sensibles las ideas, de crear una comunidad del sentir que haga posible un tejido vivo de experiencias y creencias comunes. Eso fue lo que hizo Teatro Abierto en su momento y eso es lo que hace el arte con las cosas. Crea un lenguaje que transita un camino que no se queda atrapado en lo fáctico. Digámoslo de otra manera, cuando Wittgenstein habla de los juegos de lenguaje pone al descubierto cómo funciona la sociedad. Frente al fracaso del lenguaje del progresismo, que a duras penas pudo sostener las apariencias de la democracia y de las formas del Estado, se abrió camino el lenguaje brutal y pornográfico del todo vale.  Aquello que se dice sin velo y sin vergüenza se impone en el habla cotidiana. Y entonces vuelven “los negros de mierda” a los que hay que destruir, y toda protesta es obra de “terroristas”, y un hijo “se puede vender porque es mío y hago lo que quiero con él” y “si te morís de hambre es culpa tuya” y “si sos discapacitado arréglate como puedas” y los ejemplos podrían seguir y ser mucho peores. Jacques Ranciere habla de la invención de una forma de vida por una forma de lenguaje e inseparablemente la invención de una forma de lenguaje por una forma de vida. De eso se trata.

A cincuenta años del golpe vienen a mi memoria las Madres de Plaza de Mayo frente a los caballos de la dictadura, las Abuelas buscando nietos, las pibas y los pibes militando por leyes que amplían derechos. Pero también irrumpen las imágenes de aquellos que se fueron sin el supremo bien de morir en paz y tener sepultura. Alguien dijo que un cuerpo sentido en otro cuerpo se vuelve una casa. El lenguaje no incluye sólo la comunicación. Abarca también las creaciones, las relaciones entre los cuerpos y lo escondido en el inconsciente. No hay respuestas, solo formas de responder ante la vida. Nadie imaginó que Teatro Abierto podía enfrentar a la dictadura desde el escenario. Abrirse a lo inesperado es siempre un paso imprescindible. El pasado es un tiempo que debe ser redimido en el presente. A las barbaries que se renuevan hay que enfrentarlas con otras herramientas. Sin olvidar el pasado poblar el instante presente. Estar, cada vez, donde se está.

*Periodista especializado en Cultura, creador de los programas El Refugio y Otra Trama. Actualmente al frente de El Refugio en la radio de Las Madres de Plaza de Mayo, AM 530 Somos Radio

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Por Osvaldo Quiroga*

(para La Tecl@ Eñe)

La verdad de lo real se juega en un mecanismo de tensiones entre lo que se ve y lo que se oculta. Es siempre un campo de inestabilidad. “La noche dos veces”, de Mora Monteleone, responsable también de la puesta en escena, transcurre en abril de 1982, en el comienzo de la Guerra de Malvinas, y diez años después, en 1992, cuando la Argentina está consolidando su frágil democracia.

Tres jóvenes de veinte años –Eloísa, Gabriel y Sergio- regresan de una fiesta en la casa de Julia. Parecen absolutamente alejados del conflicto bélico. Como si no existiera, como si la época estuviera ausente para ellos y las Malvinas fueran apenas un nombre que cada tanto se hace oír. Lo que cuenta, en la primera noche del excelente texto de Monteleone, es la aventura sexual, quizá la traición a un amigo, o no, o simplemente el fluir del deseo y la búsqueda de momentos de plenitud.

La segunda noche, diez años después, aunque en la impecable escritura escénica de la directora las dos noches transcurren en el mismo espacio y casi en simultáneo, pone al descubierto todo lo que se ocultó durante una década y se hace visible en una jornada que ha marcado el devenir de los cuatro involucrados. El enfrentamiento entre Eloísa y Julia no es una mera discusión de amigas, o un pase de facturas por silencios y amores juveniles; no, es mucho más que eso, es la demostración de que el tiempo nos marca más allá de cualquier acto volitivo. Mundo significa la atmósfera espiritual de una época determinada: las corrientes culturales sociales y políticas por las que atraviesa un tiempo histórico concreto; el conjunto de ideas, creencias y costumbres; todo aquello de lo que se nutre una época precisa, la que vive el individuo en ella. De ahí que una guerra siempre impacta en la subjetividad. Cuando en “Acto sin palabras”, de Samuel Beckett, el personaje intenta salir del escenario, es rechazado desde bambalinas y arrojado otra vez a las tablas.

Vivir en una atmósfera de zozobra deja marcas en el cuerpo. Cuando Eloísa se encuentra con Julia, diez años después de aquella fiesta, parece otra persona. Tiene una hija con la que le cuesta convivir. Pero eso sería lo de menos: lo que se juega en Eloísa es lo oculto, lo ominoso de una mentira sostenida durante diez años. Y eso es lo que narra el excelente trabajo actoral de Yanina Gruden. Porque el teatro no es un género discursivo. Siempre es la poética del actor la que se impone. Yanina descubre con sus gestos, con sus lágrimas, con su torpeza para las tareas cotidianas, no solo un conflicto individual; su cuerpo da cuenta también de un temblor subterráneo y de cómo lo siniestro, aquello que es extraño y familiar al mismo tiempo, ha ido socavando la psiquis de su personaje hasta convertirla en un territorio de incertidumbre y desasosiego.

A los jóvenes recién salidos de la adolescencia a principios de los 80 les pasó una guerra por encima. A muchos la Argentina de la dictadura los mandó a una muerte muy probable, dado que no tenían la más mínima preparación y se enfrentaban con un enemigo poderoso. Pero los que tuvieron la suerte de no ir al frente vivieron ese clima de época a pesar de ellos.

Mora Monteleone ha construido un dispositivo escénico para su obra donde la escenografía, las luces, el vestuario y la música original se vinculan con los intérpretes en un relato coral de fuerte impacto emotivo. Un poeta español escribió “es amarga la verdad quiero echarla de la boca”. Los impecables trabajos actorales de Nahuel Monasterio, Martina Zalazar, Federico Pezet, Rosa Rivoira y la ya mencionada Yanina Gruden dan cuenta de que hay verdades que es muy difícil echarlas de la boca. Pero esas verdades insisten, una y otra vez, como si buscaran un poco de paz. O mejor: como si supieran que el cuerpo va a acusar recibo y hacer de lo que no sabe un daño que perdura a través del tiempo, como una gota de agua que no deja de caer.

«La noche dos veces». Dramaturgia y dirección: Mora Monteleone.
Intérpretes: Yanina Gruden, Nahuel Monasterio, Martina Zalazar,
Federico Pezet y Rosa Rivoira. Diseño de escenografía: Micaela Sleigh.
Diseño de luces: Matías Sendón. Música original: Gustavo García Mendy.
Diseño de vestuario: Gabriela Gerdelics. Fotografía: Guillermo
Monteleone. Diseño Gráfico: Magdalena Margo. Asistencia de dirección:
Lulú Trotta y Mina Margo. Prensa: Celia Gamboa.

Los miércoles, a las 20.30, en Espacio Callejón (Humahuaca 3759).

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Por Osvaldo Quiroga*

(para La Tecl@ Eñe)

¿Qué ocurre cuando nos encontramos con alguien que es radicalmente diferente a uno? ¿Y si además lo acompañan hadas que cantan y danzan en el escenario? De entrada sabemos que estamos en el territorio de lo no racional, o de lo fantástico, o frente a un híbrido que combina diversos lenguajes. El teatro es más verdadero que la realidad. Pensar la vida misma sin el arte es casi imposible. Quizá por eso Violaine Bérot escribió “Como bestias”, una novela que llega a escena con dramaturgia de Claudia Piñeiro y Marcelo Moncarz. Hace falta, digámoslo de entrada, cierto coraje para hablar de aquello que los otros condenan, o miran con desconfianza, o les sirve para salir de sus rutinas y criticar lo que no conocen. En realidad, los personajes de “Como bestias” tienen miedo de pensar, de aventurar que hay otros mundos posibles. No todos. Hay algunos que comprenden lo que está ocurriendo. Quizá no tienen las palabras para expresarlo con claridad. Pero la intuición de algunos de ellos es más poderosa que el prejuicio de otros.

La madre, desde su profundo silencio, sabe que no hay tal monstruo, como algunos creen. A su hijo le dicen “el oso” por su gran tamaño, pero también por su relación con la naturaleza y, sobre todo, por la profunda sabiduría que tiene sobre el mundo animal. Todos saben en ese pueblo de montaña que el muchacho cura a los animales. Lo que no pueden soportar es lo que no saben. ¿Qué ocurre con la niña que vive en la cueva de las hadas y que el oso protege?

Dos filas de personas sentadas en el escenario conforman lo más parecido a un tribunal. La policía actúa como supuestos jueces. Cada uno de los integrantes del pueblo pasa al frente, se sienta en una silla y da su testimonio. El lenguaje verbal pone al descubierto los prejuicios, las dudas, la mediocridad y también el miedo frente a lo desconocido. Las hadas hacen lo suyo. Pero ellas no atestiguan; solo juegan con dulzura.

El dispositivo escénico del director Marcelo Moncarz es eficaz y poético. Los puntos de vista de cada personaje, orquestado como monólogo frente a una autoridad que no es visible para el espectador, tienen cada uno su propia impronta. El diseño de iluminación, la escenografía y el vestuario son grandes logros del espectáculo. Pero como siempre en el teatro son los cuerpos de los intérpretes los que marcan la diferencia. ¿Cómo olvidarse, por ejemplo, del relato de la farmacéutica en la admirable interpretación de Yamila Ulanovsky? ¿Quién es la bestia? ¿El muchacho que protege a una niña o el violador que destruye una vida? ¿Quiénes son las bestias en una sociedad que no puede ver las diferencias que hay entre unos y otros? En todas las dictaduras se persigue al diferente. Tal vez por eso resulta tan impactante ese otro lugar que se abre en el escenario y que aturde con sus sonidos, ecos de otros sonidos que los argentinos conocimos muy bien.

Las excelentes actuaciones de todo el elenco nos ubican frente a un espectáculo de rara hermosura. Es como si desde una herida abierta surgiera una luz que encandila, pero que si la seguimos, abre un mundo para cada uno de nosotros.

(“Como bestias”, dramaturgia de Claudia Piñeiro y Marcelo Moncarz sobre una novela de Violaine Bérot. Adaptación: Pablo Martín Sánchez. Dirección: Marcelo Moncarz. Intérpretes: Diego Albornoz, Cecilia Cósero, Jerónimo Dodds, Pablo Finamore, Daniela Flombaum, Jorge García Marino, Luis Alberto González, Cecilia Labourt, Luz Miraldi, Silvina Muzzanti y Matías Panaro. Escenografía: Gabriela Gerdelics. Vestuario: Jorge López. Iluminación: Sergio Nicolás Iriarte. Música: Tom CL. En Hasta Trilce, Maza 177. Los lunes, a las 20).

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Por Osvaldo Quiroga*

(para La Tecl@ Eñe)

Si hay un filósofo que puso el cuerpo en primer lugar, como antes lo había hecho Spinoza, es el francés Jean Luc-Nancy. Incluso lo hizo a partir de su propia experiencia, cuando después de un trasplante de corazón escribió “El intruso”. Y ese es el tema de “Paraíso”, la obra de Inmaculada Alvear, con dirección de Ignacio Rodríguez de Anca, que se estrenó primero en el Teatro San Martín y ahora se presenta en el Regio.

La autora se pregunta: ¿qué sucedería si un hombre poderoso, un empresario de éxito, recibiera el corazón de una mujer situada en sus antípodas sociales y vitales? ¿Podrían trasladarse con ese corazón deseos, recuerdos o emociones? La excelente actuación de Luciano Cáceres da algunas respuestas con su propio cuerpo. El actor, valiéndose de una amplia paleta de tonos e intensidades, parece dialogar con Nancy cuando el filósofo escribe: “Yo no tengo un intruso en mí. Yo lo soy y como tal frecuento un mundo donde mi presencia bien podría ser demasiado artificial o demasiado poco legítima”.

El protagonista de esta historia es un hombre de un narcisismo desaforado, un machista esquemático y a veces violento, un ambicioso bien representativo del sistema capitalista en su versión más clásica. Y aunque el protocolo prohíba al receptor de un corazón averiguar de dónde proviene el órgano, el poder del dinero todo lo puede a la hora de saltar reglas e instituciones. Nancy habla de la ajenidad de la propia identidad. Pero de la misma manera en que Lacan sostiene que el yo es el basurero del Otro, el filósofo francés llega a la conclusión de que “el intruso no es otro que yo mismo”.

El cuerpo del actor es la base del teatro. Todo sucede en torno a sus variaciones expresivas, a sus ritmos y a sus cadencias. De ahí que la lograda puesta escena de Rodríguez de Anca se articule alrededor del trabajo del intérprete, que aunque esté solo en escena da vida a muchos otros personajes. El vestuario, la iluminación, la música original y el diseño visual del espectáculo giran alrededor de ese actor extraordinario que es Luciano Cáceres.

“Paraíso” es como una bomba que cuando estalla expande sus esquirlas. El corazón ajeno remite aquí a la pobreza económica en la que viven la mayoría de los latinoamericanos, a los paraísos ficticios que se construyen y se alimentan de mano de obra esclava, a la prostitución necesaria para que una mujer pueda comer y no muera de inanición.

Escribe Paul Celán. “Quien de noche se arranca el corazón del pecho/ y lo lanza a lo alto: ese no yerra en el blanco”. ¿Pero cómo arrancarse el corazón del pecho cuando ese otro que me habita es la ajenidad misma que me permite vivir? Una obra de arte es siempre una apertura a la pregunta. De eso se trata “Paraíso”.

“Paraíso”, de Inmaculada Alvear. Versión: Dany Mañas. Dirección: Ignacio Rodríguez de Anca. Intérprete: Luciano Cáceres. Dispositivo escénico: Victorio Bello. Vestuario: Carolina Langer. Iluminación: Ricardo Sica. Música original y diseño sonoro: Nicolás Diab. Diseño de visuales: Sonia Frickx. Puesta de video: Miguel Álvarez, Mateo Sapire. Colaboración artística: Verónica Mc Loughlin.

En el Teatro Regio, los miércoles, a las 20 horas.

Sábado, 2 de mayo de 2026.

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Por Osvaldo Quiroga*

(para La Tecl@ Eñe)

Cuando se disuelve todo lo fraterno el mundo está en peligro. Lo humano es lo que está amenazado. Desde la “Llegada del tren a la estación”, filmada por los hermanos Lumiere en 1895, hasta la actualidad, los cambios en la subjetividad han sido radicales, y en no menor medida devastadores. Quizá por eso la excelente puesta en escena de «La habitación desconocida”, la obra de Gonzalo Martínez dirigida por Lautaro Delgado, comienza con ese tren que avanza sobre la platea y que en otra época provocaba pánico entre los espectadores, que salían corriendo de la sala. Una pregunta: ¿existe hoy alguna imagen que perturbe la sensibilidad de la mayoría de los habitantes del planeta? Ni la hambruna en Sudán, ni la guerra en Gaza, ni las bombas que arrojan los Estados Unidos sobre Irán alteran el ritmo desenfrenado del capitalismo.

Sin embargo, y a pesar de tantas transformaciones, lo humano se abre camino en la maraña de la selva. Aunque sea para vivir mejor, la separación de una pareja sigue siendo tan dolorosa como traumática; el paso de una instancia a otra no se hace sin pesar. Ya desde el título, “La  habitación desconocida” anuncia que la vida supone atravesar momentos, circunstancias y avatares desconocidos hasta que no se los experimenta con el propio cuerpo. La pareja de Paula y Horacio llega a su fin después de haber vivido la experiencia del amor y del nacimiento de los hijos. Lo que queda ahora son palabras hirientes, desplantes, enfrentamientos y reproches. Pero esas palabras, precisamente, son las mismas que repite tanto él como ella. Ambos actúan como un espejo borgeano que muestra la misma imagen alternativamente.  Las oraciones surgen como latigazos que van y vienen. El dolor es siempre un agujero negro que sólo puede rondarse sin tocar el fondo. Paula y Horacio están atrapados por el lenguaje.

La puesta en escena de Lautaro Delgado tiene la sutileza y la hondura que ya puso al descubierto en realizaciones como “Seré” y “El corazón del mundo”. Su admirable escritura en el espacio escénico es una combinación entre iluminación y escenografía, música y movimientos. El diseño holográfico trae a personajes que hacen a la trama de la historia. Nadie nace ni vive sin el universo de relaciones que han configurado la propia existencia.

Paula y Horacio están tan atados al lenguaje que repiten los mismos textos de manera indistinta. Las logradas actuaciones de Sofía Brito y Guillermo Angelelli hacen que las palabras resuenen en sus cuerpos. Por momentos son gritos desesperados, pero en otros hay algo de la ternura perdida, del adiós inminente. ¿Y si se dijeran otras cosas? ¿Si asociaran el lenguaje a los modos de vida? Quizá lo que transmite este espectáculo es la percepción de un real insoportable en el que la humanidad parece atrapada, acaso el de cierta desesperación al vivir en un universo cada vez más brutal e inhumano. En el arte siempre lo que no se dice tiene más peso que lo que se dice. En la vida también.

(“La habitación desconocida”, de Gonzalo Martínez. Dirección: Lautaro Delgado Tymruk. Escenografía y vestuario: Paola Delgado. Iluminación: Ricardo Sica. Música original: Marco Bailo. Diseño de video: Federico Castro. Participan en el video holográfico: Federico Cherr, Fermín Nogueira, José Mehrez, Natacha Delgado y Vera Nogueira. En la Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín).

Lunes, 18 de mayo de 2026.

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Por Osvaldo Quiroga*

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Hay que prestarle atención a las pasiones. Siempre dicen mucho más de lo que parece. La historia de “La Gloria” y “el Vasco” lleva cuatro décadas, aunque cada uno de ellos hizo una vida tradicional: se casó con otras personas, tuvo hijos y siguió el derrotero de la mayoría de las parejas. Quizás el adulterio comenzó como una aventura juvenil que iba a durar unas pocas horas en un albergue transitorio de ruta, en las afueras de un pueblo rural. Pero lo cierto es que ya pasaron cuarenta años, envejecieron juntos y la pasión persiste. ¿Qué ocurrió entre ellos que no pudieron salir de una zona franca de imperturbable infelicidad?

Franco Verdoia es un consumado dramaturgo – el mismo de “Late el corazón de un perro”- y sabe que en las zonas de indeterminación de un texto opera la ambigüedad del hecho estético. El encuentro de Gloria y el vasco habla también del deseo en una pareja que las frías estadísticas ubican en la tercera edad. Que no hayan sabido qué hacer con ese deseo no significa que carezca de vitalidad. Tanto es así que ella se anima a dar un paso que no había dado en las cuatro décadas anteriores.

El espectador puede preguntarse por qué no se separaron de sus respectivas parejas. O mejor: ¿qué ocurrió para que la aventura de dos jóvenes se convirtiera en un amor duradero? Pero esos interrogantes tienen algo de lugar común. Las historias de amor no terminan ni empiezan cuando los protagonistas creen que eso ocurre. No siempre tienen fecha de vencimiento ni son catalogables.

Las excelentes actuaciones de Silvina Sabater y Horacio Acosta ponen al descubierto la sutileza de un encuentro amoroso que se resiste a cualquier encasillamiento. Los cuerpos de los actores siempre dicen más que los textos que interpretan. En ese sentido, la tarea de Sabater y Acosta parece orientada mostrar la vulnerabilidad de los personajes y la apertura a un mundo que se ha sostenido a través del amor. No hay repeticiones mecánicas en los encuentros, menos aún disquisiciones intelectuales o reflexiones sobre la culpa. Hay chismes de pueblo chico, humor al estilo de Manuel Puig o de “El museo del chisme”, de Edgardo Cozarinsky.

El chisme es esencial en la literatura argentina. El monumental “Borges”, de Adolfo Bioy Casares, con sus mil seiscientas sesenta y tres páginas, es un libro de literatura y de chismes. Juan José Saer es otro de los grandes maestros del chisme. La lengua suelta ha construido grandes obras literarias.

En el escenario el texto tiene que fluir en la boca de los intérpretes. En “Nido de lagarto” los comentarios sobre los personajes del lugar resultan esenciales para entender que Gloria y el vasco son parte de un entramado de relaciones que los han llevado hasta ese lugar desangelado, que ellos pueblan de historias, recuerdos y juegos eróticos.

La música original, el vestuario, la escenografía y la iluminación forman parte de un lenguaje dramático depurado y preciso. La verdad que crea el buen teatro suele ser tanto, o más, verdadera que la vida.

(“Nido de lagarto”. Dramaturgia y dirección: Franco Verdoia. Intérpretes: Silvina Sabater y Horacio Acosta. Vestuario: Cecilia Zubialde. Peluquería teatral: Soraya Ceccherelli. Escenografía: Cecilia Zuvialde. Música original y sonido: Ian Shifres. Iluminación: Matías López Stordeur, Franco Verdoia. Asistencia de dirección: Matías López Stordeur y Débora Torres. En el Teatro El Extranjero, Valentín Gómez 3380 CABA. Funciones: lunes a las 20.30. Duración: 65 minutos).

Lunes, 25 de mayo de 2026.

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La entrada Teatro: Historia clandestina de amor y chismes – Por Osvaldo Quiroga se publicó primero en La Tecl@ Eñe Revista.

Por Osvaldo Quiroga*

(para La Tecl@ Eñe)

Es notable la agudeza psicológica de Tennessee Williams. Se podría decir que el tema central de su teatro es el desencanto de sus personajes con el mundo en el que viven. Blanche, en (1947), es una mujer anclada en el pasado; Brick, indeciso y apático, marcha a su propia destrucción en «La gata sobre el tejado de zinc caliente” (1955), y Shannon, en «La noche de la iguana”, no puede resolver sus conflictos con las mujeres. En cada una de las obras de Williams lo central es la vida interior de sus criaturas.

«El zoo de cristal”, de 1944, consagró al autor en la corriente del realismo estadounidense, ubicándolo como el continuador de Eugene O’Neill. Los personajes de esta obra, que tiene varias versiones en cine y que en 1991 dirigió Hugo Urquijo en Buenos Aires, luchan con sus propios fantasmas en un contexto adverso, el de la crisis económica de 1930.

Amanda, la madre de Tom y Laura, evoca su pasado sureño con «algún negrito de esclavo” y contrasta aquella existencia, más imaginada que real, con la actual decadencia en la que vive. Quiere que sus hijos aspiren a una vida mejor, pero no los percibe ni en sus contextos reales ni en sus posibilidades futuras, que ella misma se encarga de ahogar.

Tom, el hermano mayor, trabaja en una zapatería y sueña con ser poeta. Laura es renga y de una timidez patológica, pero también es la que abre el camino a la imaginación, la que se refugia en su universo de animalitos de cristal y construye un mundo secreto y sensible.

Jim O´Connor es amigo de Tom y llega a la casa de Amanda Wingfield sin saber que ella ha propiciado el encuentro con Laura, imaginando que puede ser un candidato para su hija. Pero algo sucede: Jim, aunque está comprometido y próximo a casarse, la ve a Laura de otra manera. Él no cree que el defecto físico de ella sea un impedimento para la vida. Laura y Jim se conocían del colegio secundario y ella estaba secretamente enamorada de él.

El teatro es siempre el territorio de las actrices y los actores. Gustavo Pardi, en su lograda puesta en escena, ha puesto el foco en la elección de los intérpretes y en las admirables cualidades profesionales de cada uno de ellos. Es sabido que Ingrid Pelicori es una de las grandes actrices de nuestra escena. Y en la piel de Amanda lo demuestra una vez más. Esta madre abandonada por su marido alcohólico, verborrágica, insoportable por momentos, es también la que ama a sus hijos y los sostiene como puede. Ingrid pone a Amanda en su cuerpo y le da la carnadura imprescindible para que el espectador, antes de juzgar, se anime a comprender.

Malena Figó, en un trabajo admirable, compone con Martín Urbaneja, otro excelente actor, la escena más profunda y bella de la obra: la de la danza con Jim. Él, un joven apuesto que quiere conquistar el sueño americano a base de trabajo y brillo personal, baila con ella y le devuelve la ilusión que alguna vez tuvo. Podría decirse que Laura conoce el amor en ese momento y que el beso torpe que se dan es una epifanía tan conmovedora que alumbra toda la obra de Williams.

Walter Quiroz, en la piel de Tom, descubre las facetas más íntimas de su personaje al internarse en sus dificultades para enfrentar a su madre y romper con esa familia que lo mantiene atado a un trabajo que detesta. Pero también es el mismo que ama a su hermana y en una escena alejada del realismo, casi como un diálogo secreto que se hace visible, llora y emociona al espectador como solo saben hacerlo los grandes intérpretes.

El equilibrio entre la escenografía, el vestuario, la iluminación y la música original,  juega un rol dramático importante. Hay algo en el espacio escénico que se parece al sueño, quizá sea esa cercanía que consiguen las actuaciones al mostrar un mundo dolorosamente cercano. O tal vez la vulnerabilidad de los personajes, que obran como fantasmas que nos hablan al oído. Fantasmas como el de Macbeth cuando dice: «La vida no es más que una sombra que camina; un pobre actor que se pavonea y se agita durante su hora en el escenario y después no se le vuelve a oír”.

(“El zoo de cristal”, de Tennessee Wiliams. Versión: Mauricio Kartun. Dirección: Gustavo Pardi. Intérpretes: Malena Figó, Ingrid Pelicori, Walter Quiroz y Martín Urbaneja. Vestuario: Julio Suárez. Escenografía: Cinthia Chomski. Sonido y música original: Silvina Aspiazu. Funciones: lunes, a las 20.30, en el Tinglado, Mario Bravo 948).

Viernes, 5 de junio de 2026.

*Periodista especializado en Cultura, creador de El Refugio y Otra Trama. Actualmente al frente de El Refugio en la radio de Las Madres de Plaza de Mayo, AM 530 Somos Radio.

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