Por Liliana Fijtman

(para La Tecl@ Eñe)

En su texto sobre teatro “El piedrazo en el espejo”, Pompeyo Audivert, autor y director de “Muñeca”, “Trastorno”, co-autor de “El Farmer”, por nombrar sólo algunas de sus obras, sostiene que: “El teatro debe ser la piedra que rompe el espejo. Primero, hasta romper el espejo, el teatro es la piedra, luego de que lo rompe el teatro vuelve a ser el espejo, la piedra sigue su viaje en dirección al centro del misterio a donde van las fuerzas ciegas, el teatro queda en la superficie rota dando cuenta de los restos de una plenitud refleja y a la vez revelando lo que la sostenía como la naturaleza que estaba oculta, paralizada, tras la lápida reflejo. Al romperse el espejo ya nada queda en su lugar, los fragmentos flotan en distintos niveles…”

Edipo en Ezeiza tiene las características de las obras de Pompeyo: los cruces entre la obra y la historia del país, la dualidad entre realidad y representación, el lugar y la acción del actor/actriz. La pregunta por la verdad, que es en lo que se puede creer. La dualidad incluso consigo mismo, la duda y desconfianza hacia los otros y también al interior de cada ser.

Las obras de Pompeyo suelen ser y esta también lo es, indagaciones. No es complaciente con el espectador, que sale siempre atravesado y tal vez enriquecido con nuevos interrogantes. La fragmentación, la segmentación del discurso que busca descubrir al infiltrado, al traidor disfrazado. Una familia desmembrada, el padre, la madre, el hijo con sus identidades alteradas a partir de un iniciático y terrible picnic en Ezeiza a partir del cual se desmorona todo. Un hecho clave a partir del cual se desarrolla la acción: la vuelta de Perón en el 73 y la masacre de Ezeiza. Así, pone el foco en la tortura, en los interrogatorios, en la forma de actuar y pensar de los grupos de tareas, del robo de bebés. La mentira, el ocultamiento, la duda y la paranoia; la necesidad de esconderse o de cambiar de nombre, de residencia.

Un proyecto de país y el fracaso de la propuesta colectiva.

Con una puesta interesante y el trabajo serio y convincente de Julieta Carrera, Hugo Cardozo y Francisco Bertín, “Edipo en Ezeiza” se presenta en El Picadero el domingo 21 de noviembre a las 18 horas.

Entradas por Plateanet.

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Por Liliana Fijtman

(para La Tecl@ Eñe)

Dos personajes en un punch dialógico, donde definen algo de sus cotidianeidades mientras hacen pases de esgrima. 

Una carrera exitosa, yoga, peluquería, vacaciones en el exterior; atender llamados, contestar mails y whastapp, hacer spinning. Dos mujeres de cuarenta años agitan espadas y poesía cruel para plasmar un mundo donde podemos reconocernos todas. 

La necesidad de estar en pareja y también de no estarlo. Hacer una carrera, vivir en la ciudad, disfrutar de la naturaleza, extrañar a un novio abandónico, la ansiedad que carcome y no deja pensar, o la angustia de sentir que el tiempo nos amenaza, nos quita nos pierde. Morirse sin ser madre. Consultar médicos, hacer tratamientos, guardar óvulos, encargar un hijo, buscar un semental como la Eva de Silvio Rodriguez. Te preguntan con cara de tonta ¿tenés hijitos? y se te revuelve el estómago de la bronca y el dolor. Los chicos no me gustan, se babean. Querés tener un hijo. El tiempo que mata. Matar el tiempo. Más bronca, la soledad. Morirse en soledad y que te encuentre el vecino chismoso por el olor. Adoptar. Comprar un hijo. El secreto. Las mentiras. Qué les decís a los conocidos y a los familiares. Qué decís en la oficina.

Esta obra de María Pía López, con la dirección ajustada y precisa de Cintia Miraglia desarrolla creativamente la problemática de ser madre en estos tiempos con la complejidad de matices que intervienen en el cotidiano discurrir de personas de clase media en una gran ciudad. A partir de allí, la evolución de la trama agregará el paisaje de la frontera, la miseria y la entrega de los hijos a través de intermediarios. El comercio ilegal de la maternidad. 

Las actuaciones de Leticia Torres y Carolina Guevara sostienen un clima de tensión ágil, ansioso, exuberante con una energía desbordante, que no decae en ningún momento y que mantiene la atención del espectador, con momentos conmovedores y de humor inteligente.

Muy buena la composición sonora de Vicky Balay y la voz sugerente de Leticia Torres.

Para no perdérsela, los domingos de mayo y junio a las 18 horas en el Teatro El Extranjero. Valentín Gómez 3378. CABA. Localidades por Alternativa Teatral.

Ficha Técnico Artística.

Autoría: María Pía López. Sobre textos de: María Pía López.

Adaptación: Carolina Guevara, María Pía López, Cintia Miraglia.

Actúan: Carolina Guevara, Leticia Torres.

Vestuario: Paula Molina.

Escenografía: Víctor Salvatore.

Diseño sonoro: Vicky Balay.

Diseño de Iluminación: Matías Noval.

Fotografía: Ximena Talento.

Diseño gráfico: Cintia MIraglia.

Entrenamiento en esgrima: Andrés D´adamo.

Asistencia de dirección: Rocío Bari.

Prensa: Daniel Franco.

Coreografía: Andrés D´adamo.

Dirección: Cintia Miraglia.

Composición sonora: Vicky Balay.

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Por Liliana Fijtman

(para La Tecl@ Eñe)

Cuando en 2019 Valeria Di Toto aceptó una invitación del artista Guillermo Sesma para escribir un texto corto a partir de un dibujo suyo formando parte del libro Episodios Musicales (Dueto) no se imaginó que ese texto sería la semilla de su participación en el Torneo de Dramaturgia en el marco del Festival Internacional Temporada Alta en Timbre 4.
La propuesta convocaba a lo fortuito, las obras serían interpretadas por actrices y actores que los autores desconocían hasta dos horas antes de la representación. Luego un público las votaría sin saber quién había escrito cada una. La casualidad impregnando cada una de las instancias.
La obra fue ganadora, pero sucedió la pandemia. La espera, las ganas gestándose a través de plataformas virtuales de encuentro con los participantes primeros de la convocatoria. Luego fueron sumándose otros al equipo.
La obra trata del encuentro azaroso entre dos personas de distintas edades, formación, costumbres. También del deseo y la soledad. De algo que la pandemia puso de manifiesto con la fuerza de lo inesperado. De la necesidad que tenemos de los demás.
Para entrar a sentarse en la platea, hay que pisar la playa de un escenario, pasar al lado de una silla plegable y una canasta. Ese recorrido nos pone en un lugar donde algo de actores se nos pega a la piel. Nos interpela, nos incluye.
Como en las cajas chinas, aquí el azar impregna realidad y fantasía, atravesando como un hilo conductor el sentido del texto.
Excelentes las interpretaciones, frescas, creíbles. Una puesta correctísima, ajustada y coherente.
La obra se presenta en los domingos a las 19 horas en el Ítaca Complejo Teatral. Humahuaca 4027. CABA. Por ahora, hasta el 31/07/22

Liliana Fijtman

Ficha Técnico Artística

Dramaturgia: Valeria Di Toto.
Actúan: Daniela Catz, Matías Marshall.
Vestuario y Escenografía: Uriel Cistaro.
Diseño sonoro: Joaquín Segade.
Realización de vestuario: Patricia Mizraji.
Diseño de iluminación: Ricardo Sica.
Fotografía: Iván Breyter.
Diseño gráfico: Florencia Di Toto.
Asistencia de dirección: Lucila Lobel.
Prensa: Daniel Franco.
Dirección de arte: Uriel Cistaro.
Dirección: Valeria Di Toto.

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Por Liliana Fijtman

(para La Tecl@ Eñe)

Haroldo Conti, figura emblemática por su literatura y su militancia política es homenajeado aquí con este estreno teatral a cargo de Manuel Santos Iñurrieta en el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini, a 97 años de su nacimiento y 46 de su secuestro y desaparición a manos de la última dictadura cívico militar.

La pieza nos propone a la literatura como centro y a partir de ella, el ordenamiento de la acción. Un elenco conformado por Gustavo Pardi, Gabriela Perera y Diana Kamen son los responsables de dar vida a Conti, sus compañeras y sus musas inspiradoras.

La Tecla Eñe tuvo oportunidad de conversar un rato con Juano y con Manuel acerca del trabajo sobre la obra tanto desde la dramaturgia como desde la dirección.

Liliana Fijtman: ¿Qué aspectos del texto motorizaron la dramaturgia de “Confesiones de un Escritor”?

-Juano Villafañe: Confesiones de un Escritor es una obra de teatro escrita dentro de un cuento. Ese cuento es “A la diestra”, el mismo que había quedado en la máquina de escribir el día que lo secuestran en su casa de Villa del Parque en 1976. El cuento  fue cedido por Alejandra Conti y Marcelo Conti a la Revista de Literatura Mascaró para que sea publicado por primera vez tal cual había sido escrito en el año 1984. Cuando recibí ese cuento siempre pensé que dentro de él había una posible obra de teatro, tanto por el hecho de lo que implicaba el propio cuento como texto inconcluso, como por lo simbólico de todos los hechos que rodeaban a ese cuento. La obra no describe una cronología de hechos históricos, ni se trata de un texto biográfico sino que aborda los distintos estados de la literatura de Haroldo Conti, las poéticas de la llanura, del río, de los entornos urbanos. El texto teatral está compuesto por diálogos, pero también por monólogos, poemas y todo se relaciona por la acción teatral y la puesta en escena. Se trata de cuadros circulares que se van proyectando sobre el tiempo y el espacio, donde se expresan momentos reales o ficcionales de la vida y la obra de Haroldo Conti. No es un texto lineal, ni se cuenta necesariamente una historia como en un cuento tradicional. Los estados circulares que se van concatenando por la acción de los actores permiten abordar distintos tiempos y espacios. La obra es casi como el cuento que le dio origen, no tiene necesariamente un final, pareciera que nunca termina. Manuel Santos Iñurrieta desde la dirección potenció los climas poéticos, épicos y afectivos que tiene la obra.

-LF: ¿Qué resonancias hicieron que situaras la obra en el último día de vida antes del secuestro?  ¿Este hecho aparece en la obra siquiera como elucubración del personaje?

-Manuel Santos Iñurrieta: Esta es otra última noche posible, es un juego poético que nos permite imaginar a Conti hablando de la literatura y de la vida. Es una celebración a este enorme escritor, que apasionado sobre los temas del oficio de escribir y su sentido repasa momentos y pasajes de su obra.

-LF: A ambos: ¿Qué otros personajes intervienen y cómo juega su inclusión?

-JV: Los personajes no están tipificados. El escritor no está necesariamente caracterizado como si representara un estereotipo. Habla y dice como un escritor que expresa las poéticas de Haroldo Conti. Se parece a Conti en la medida que interpreta y dice textos poéticos asociados a la obra del autor de Mascaró, el cazador americano.

-MSI: Diana Kamen y Gabriela Perera juegan como las mujeres que inspiran al escritor, que lo asisten, que lo evocan, recuerdan y discuten; en suma, que constituyen nuestra aproximación a Conti. Gustavo Pardi y Kamen y Perera respectivamente trabajan los personajes desde una distancia crítica lo que les otorga otra dimensión a su función dentro de la escena, quiero decir arman y desarman la ficción a la vista del público.

-LF: Creo que no es la primera vez que trabajan juntos, ¿no?

-JV: En relación a una obra teatral, Manuel Santos Iñurrieta como director y yo como autor, es la primera vez que trabajamos juntos. Pero hace más de 20 años que trabajamos en la actividad artística literaria, tanto en Liber-Arte Bodega Cultural, como en el Centro Cultural de la Cooperación.

-MSI: Con Juano Villafañe me une una larga amistad por nuestro trabajo al frente de la dirección artística del Centro Cultural de la Cooperación. He trabajado con Juano en Poemas y canciones en la multitud, junto a Débora infante en 2019.

-LF: ¿Cómo sienten que se combinan sus respectivas miradas?

-JV: Yo siento que tenemos miradas complementarias. Manuel también ha trabajado sobre mi texto. Por mi parte también sugiero algunos temas referidos a la puesta en escena. Partimos ambos de que la obra se termina de escribir en el escenario. Todo aquello que se pueda corregir desde la acción teatral de los ensayos bienvenido sea. No creo que el texto deba ser inamovible.

-MSI: Es un gusto enorme trabajar con Juano ya que es un gran conocedor de la obra de Haroldo Conti, y también porque como intelectual, poeta y gestor cultural que es, todas las discusiones en torno a la obra se enriquecen.

-LF: Juano, ¿por qué pensás que Haroldo no sólo fue, sino que sigue siendo?

-JV: La obra de Haroldo Conti sigue teniendo total vigencia y más aún, creo que se ha potenciado con el tiempo. Un clásico de alguna forma termina también siendo moderno. Como pasa con muchos escritores argentinos como Roberto Arlt o Antonio De Benedetto. Abordaron otros imaginarios en otros tiempos y espacios, pero las llanuras del campo siguen allí, de la misma forma que circulan los ríos. Hay siempre un ser y un estar que se sigue proyectando, una metafísica, una ontología si se quiere nacional, que sigue bordeando los grandes centros urbanos y alimenta la vida poética de las ciudades. La balada del álamo Carolina o el cuento Todos los veranos relatan la vida en el campo o en el delta con estados literarios que hoy uno los puede vivir con la misma intensidad que cuando fueron escritos. Más aún, hace falta una literatura poética, una literatura del hombre en todas las circunstancias, más urbanas o menos urbanas. Además, Haroldo Conti proyecta una figura integral del intelectual, del escritor, del político.

-LF: ¿Quieren agregar alguna reflexión sobre la actualidad de Conti y su literatura en relación a la Argentina de estos momentos?

-MSI: Sí, creo que se actualiza en las discusiones sobre el cómo produce su obra el artista, y el vínculo del escritor, la obra y la sociedad en la que vive son discusiones de todos los tiempos. Hacer una obra como ésta hoy, una obra que celebra a Haroldo Conti también es decir que hay que comprometerse tanto con el oficio y la disciplina como con el mundo que nos rodea. Es negar la distopía, el nihilismo y los argumentos de clausura y derrota que quieren ser inoculados a la sociedad. Hablar de Conti es hablar de vida, de pasión, de compromiso político y transformador, es hablar pelear por realizar la utopía.

Ficha artístico técnica:

Dirección y puesta en escena: Manuel Santos Iñurrieta.

Texto Original: Juano Villafañe.

Trabajo dramatúrgico: Juano Villafañe con la colaboración de Manuel Santos Iñurrieta.

Intérpretes: Gustavo Pardi – Gabriela Perera – Diana Kamen.

Música Original: Pepo Migliori/Asistencia de Dirección: Marina García/Asistencia Técnica: Rodrigo Isequilla / Diseño de Iluminación: Horacio Novelle / Diseño de Vestuario: Alicia Gumá / Diseño de Escenografía: Diego Maroevic / Producción ejecutiva: Juan Gabriel Yacar / Fotografía: Gisela Romio/ Prensa: Daniel Franco / Diseño gráfico: Claudio Medin.

Agradecimientos a: Alejandra Conti y a sus hermanos Marcelo Conti y Ernesto Conti por habernos permitido trabajar con la obra de Haroldo Conti.

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Por Liliana Fijtman

(para La Tecl@ Eñe)

Esta cantora, como le gusta llamarse y que la emparenta con nuestra amada Mercedes Sosa, esta actriz y maestra de tango en el Ecunhi desde hace 10 años, conmueve y apasiona cuando canta. No se oculta, es rea, espontánea y generosa. Se compromete. Toda ella es una mezcla y casi una puede decir que la conoce cuando canta. Tiene la calidad de lo genuino y encima canta bien. Muy bien.

Desde 1998 viene compartiendo escenario con Armando Manzanero, Teresa Parodi, Charly García, Javier Calamaro, Rita Cortese, Marilina Ross, Marikena Monti, Guillermo Fernández, entre otros.

En este caso, su voz nos lleva a historias de amor y a través de este sentimiento a todas las emociones ligadas a ese transitar al ritmo de tangos y boleros. 

Ella llena el espacio y crea climas, nos sumerge en el romanticismo acompañada de Juan Iruzubieta y Hernán Pérez en guitarras y Felipe Espósito en percusión. 

De a ratos, Gaby Minardi, actriz y narradora, discípula de Ana María Bovo nos lleva de la mano a vivir un cuento bellamente interpretado.

Lucrecia Merico dará otra función de «En amor ando».

Será el domingo 11 de diciembre a las 20 horas en Pista Urbana: Chacabuco 874. San Telmo. Para festejar el día del tango.

Vale la pena agendarlo.

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Por Liliana Fijtman

(para La Tecl@ Eñe)

“¿Y si la poesía fuera un olvido del perro que te mordió la sangre/una delicia falsa/una fuga en mí mayor/un invento de lo que nunca se podrá decir? ¿Y si fuera la negación de la calle/la bosta de un caballo/el suicidio de los ojos agudos? ¿Y si fuera lo que es en cualquier parte y nunca avisa? ¿Y si fuera?” Juan Gelman

A través de un rico entretejido de cosmogonías entre las que se cuentan los relatos de los intérpretes, El narrador de Walter Benjamín, La revolución es un sueño eterno de Andrés Rivera, En mi nombre. Historias de identidades restituidas de Ángela Pradelli y Hoy de Juan Gelman, la directora de ¿Tenías frío?, Laura Yusem construye el imaginario que recorren los protagonistas de la obra. 

El tránsito fragmentado y parcialmente amnésico de lo vivido requiere de la distancia para ser contado. La experiencia es inenarrable de inmediato. Es necesario contarla. La multiplicidad de aportes enriquece la memoria colectiva. Pero la pregunta es si se puede contar y cómo. 

Los sobrevivientes de la Shoá en múltiples casos silenciaron lo vivido. Conozco hijos que se enteraron que sus padres habían estado en campos de concentración recién en su propia adultez. ¿Es la necesidad de alejarse del horror? ¿Es posible escapar a partir del silencio? ¿O la pena se encarna en los huesos y los músculos y empobrece nuestra vida si se calla?

Cuando se puede hablar, algo se aliviana en el cuerpo y sin embargo, no se habla enseguida. 

El espacio y el tiempo transcurrido permiten a veces narrar la experiencia.

De todo esto, con un discurso polifónico, los personajes de la obra hablan y tratan de recordar para armar la historia. El golpe del golpe. Los hermanos del desaparecido, la hija apropiada que repite lo que le dijeron que diga, la pregunta por todas las preguntas posibles, el militante asesinado. 

“No es el frío, ni el viento que no deja escuchar. Ni siquiera sé si hacía frío. Es la espera. La espera silenciosa, de los que esta noche van a llegar y uno se arrincona contra la baranda. Ya no se habla. Contra la certeza de la muerte, aparece el miedo que atraviesa los huesos”

Hay ternura y dolor. Es posible revivir lo que sentimos cuando todo esto pasaba. Los que tenemos más de sesenta, sabemos de qué se está hablando y resulta sanador atravesar los pedazos de recuerdos para reconstruir la historia. “La revolución nunca puede ser como tomar el té a las cinco de la tarde” dice un personaje. Y es cierto.

Teatro Abasto Social Club. Yatay 666. Almagro. Sábado 19 a las 18 horas y viernes 25 de noviembre 21 horas. 

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Dramaturgia:

Natalia Casielles

Actúan:

Silvia Ataefe, Daniel Braguinsky, Mariana Ceballos, Ana Rodríguez Arana, Guillermo Rodríguez Riedel

Diseño de espacio:

Laura Yusem

Diseño de luces:

Alejando Le Roux

Realización de escenografía:

Norma Rolandi

Video:

Pablo Braguinsky

Música original:

Cecilia Candia

Fotografía:

Lucas Levalle

Diseño gráfico:

Federico Mercante

Asistencia de dirección:

Gabriela Levy Daniel

Prensa:

Daniel Franco

Dirección:

Laura Yusem

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Por Liliana Fijtman

(para La Tecl@ Eñe)

-Liliana Fijtam: Contame tu encuentro con el texto de Silvia Gomez y las resonancias que tuvo en vos.

– Nayla Pose: El encuentro con Silvia tuvo un aura especial, sentí una gran afinidad con ella al leer su material y, cuanto más me adentraba en él, más se expandía esa primera sensación tomada por la fascinación y por cierto aire de familiaridad.  Puedo identificar esta sensación  de cercanía con otrxs autores que me gustan, algo de esa manera de ver el mundo que te  hace sentir que ese perfecto desconocido es algo como un amigx pero en este caso el flechazo fue distinto porque leer este texto fue, además, encontrarme con algo que yo venía buscando. Nadie lo sabía, pero tenía ganas de involucrarme con un nuevo proyecto y todo lo que leía, no terminaba de interesarme. Había estado bocetando algunas ideas alrededor de la fortaleza de lo femenino pero no encontraba nada que me conmoviera.

El texto de Silvia llega a mi a través del grupo Piel de Lava, ellas estaban haciendo la curaduría de Temporada Fluorescente, un festival internacional que cruzó dramaturgas de otras latitudes con artistas locales. Ellas creyeron que era un material para mi.  Y que punteria tuvieron! parecía escrito a pedido. 

Una intimidad inusitada empezó a suceder entre la Silvia que fui descubriendo mientras leía y yo, habia muchas similitudes eticas en el trabajo y también estéticas, tiempo despues nos conoceriamos y, efectivamente, nos hariamos amigas.

La primera lectura me encendió y empecé a asumir  que mi imaginario podía ser una buena caja de resonancia para ese material, que podría crear las condiciones necesarias para dar a luz ese mundo en la escena. 

El texto tiene un corte feminista con el que me identifico y, tambien, todo un lineamiento poetico que ejercio sobre mi un inlfujo particular, eso me permitio desplegar ese  universo musical trabajado con Sebastian Schachtel y creado por él especialmente para este pieza. 

Sebastian logra crear una dramaturgia sonora y un lenguaje que tiene el poder de decir mucho de lo que las palabras no dicen. Ese hecho y la actuación enmarcaron la búsqueda creativa.

-LF: La puesta tiene registros contrapuestos: el de la torre de control, los dioses romanos, el habla de la calle. ¿Cómo se generan y combinan esos climas?

-NP: Mi interés con esta obra estuvo atravesado por generar un mundo que pudiera contener a todos los lenguajes y referencias que aparecen en el texto.  El espacio en donde sucede la escena es el Km 23  de alguna ruta del mundo, es un hangar en un descampado suburbano, un tinglado al lado de la ruta,  un espacio donde también se conjura el dolor, un lugar de tránsito y de resguardo,  un lugar en donde se podrían reparar máquinas y ser, a la vez, un espacio de ritual , es un poco todo eso… ese espacio de alguna manera tiene el mismo espíritu que una sala de teatro: un espacio donde caben muchos espacios, un mundo donde caben todos los mundos, un espacio en donde todo es posible, donde lo sagrado y lo profano se encuentran, un poco como los diosa que se menciona en la obra y el habla de la calle.  

Mucho antes de conocer la literatura dramática de Silvia  Gomez ya tenia bien  desarrollada mi fascinación por la mitologia, y venia preguntandome sobre la relación de los dioses griegos y el mundo contemporáneo.  Tengo una imagen de un poema de Kae Tempest en la cabeza : los dioses estan en el baño teniendo sexo sin proteccion. Algo ese universo desacralizado de los dioses ya me resultaba atractivo y teatral.

La imaginacion permite crear universos que conectan cosas, que a priori, no se te ocurrirían que van juntas. Eso me gusta y fue otra de las cuestiones  que me interesaron  de la obra de Silvia. Ella dice al respecto del personaje de la vigilante  que podría ser una maga, una leyenda, una heroina o simplemente una mujer con resaca que necesita esconder un arma entre las tetas. En la ambigüedad se funda el estilo de la obra. Es difícil encasillarla en un género: Las actrices cantan junto a la música en vivo pero no se trata de un musical, la obra se apoya en un hecho verídico pero no se constituye como documental, la magia de una diosa aparece en momentos precisos pero sin armar un relato fantástico. Es una obra que contiene pulsiones de tragedia y pulsiones de comedia. Pero no es ninguna de las dos cosas.

-LF: ¿Creés que hablar de violencia patriarcal incluyendo la ternura y la solidaridad ayuda al abordaje del tema?

-NP: Creo que son discursos opuestos y por tanto, interesantes para trabajarlos  complementariamente.  La violencia es producto del sistema, es la segregación más nefasta del sistema capitalista y patriarcal.  La empatia, la ternura es todo lo que el sistema no puede apresar, es lo que se fuga. Y por tanto es la resistencia.  La obra se funda en una violacion, pero ni el texto, ni las actrices, ni yo íbamos a  permitir que el discurso se redujera sólo al sufrimiento.  

-LF: La obra tiene poesía y también un ritmo que se vive como un presente de la acción para el espectador. ¿Es tal vez un testigo?

-NP: Es una buena lectura. Agradezco que la hagas. Me interesa poner al público en un lugar activo. Los hechos más violentos suceden a nivel sonoro en el mismo lugar donde esta el publico. Que nadie se asuste, no hacemos participar al público poniendo el cuerpo, el espectador no se mueve de su lugar, pero si se busca que la obra desarrolle cierta atmósfera que pueda envolverlo.  Buscamos hacerlo parte sin participar directamente. 

Por otro lado, la obra se quiebra en un momento, y en ese quiebre nos interesa dejar abiertas preguntas en torno a la violencia, preguntas que, como decía,  muestran a la violencia como producto de un sistema opresor, que va desde la guerra hasta la violencia de la colonización y el abuso al que sometemos a la naturaleza del planeta.

-LF: Romper la cuarta pared, develar el artificio teatral… ¿cómo influye en la convención de la ficción teatral?

-NP: Pienso que es algo que ya está muy asimilado en la producción teatral contemporánea. Crea otro tipo de convención. A mi me gusta develar el artificio, hacernos cargo de todo, estar atravesadxs por una capa de la realidad, sin que sea un biodrama

Esta convención afirma : estamos todos juntxs en esta, esto es verdaderamente algo, este acto de magia está sucediendo por y entre nosotrxs.

-LF: ¿El arte puede cambiar la conciencia?

-NP: En mi caso personal puedo decir que si, que a mi el arte me enseñó a vivir. Y que mi vida está repleta de momentos en donde el arte me rescato, me hizo pensar, me enseñó y  me hizo reir y vibrar  hasta sentir que la vida volvía a tener sentido.

Si nombramos a la conciencia como parte del conocimiento que la persona tiene de su propia existencia, de sus estados y de sus actos en mi caso podría decir que el arte cambió  no solo mi conciencia, sino mi vida entera. Si opino más en general, me atrevo a decir que la conciencia es permeable por el gesto artístico, por sus estímulos y por las preguntas que genera.  Para mi unos de los estímulos más grandes para  la conciencia son las preguntas. Hay una ética particular en las preguntas y sensaciones que genera cada obra de arte.  De todas formas, es algo muy personal. La experiencia artística siempre lleva en sí cosas muy personales.

Ficha artístico técnica:  
Autoría: Silvia Gomez
Traducción: Carolina Virgüez
Actúan: Daniela Flombaum, Carolina Saade
Música original: Sebastián Schachtel
Música en vivo: Mateo Monk
Dirección de arte: Paola Delgado
Iluminación: Ricardo Sica
Fotografía: Malu Campello
Prensa & difusión: Daniel Franco
Asistencia de producción: Tomas Huberman
Asistencia de direccion: Guido Pujato
Dirección: Nayla Pose

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Por Liliana Fijtman

(para La Tecl@ Eñe)

Al entrar, en el escenario están sentados, lejos el uno de la otra, el Muni y Lucrecia joven.

Sonríen, entre ellos y a nosotros, que vamos entrando. Nos reciben, desde sus personajes y yo siento que mi respiración va iniciando en mí un clima. Tal vez sea una idea, pero va produciendo calma.

Luego, la historia se va contando en dos tiempos del relato, aunque los personajes permanecen en escena casi todo el tiempo como la expresión viva de que los recuerdos acerca de alguien de alguna forma lo reactualizan, lo reviven.

Al terminar la obra, somos invitados con una rica ensalada de frutas, que alude pero no es, la que va preparando Lucrecia madura durante la representación.

Decido mostrar un poco el detrás de la escena charlando con la mayoría del elenco y su director.

Buscamos un lugarcito detrás de un biombo en el escenario para escucharnos porque todo el público está allí.

Rodrigo Rivero

– Contame cómo surge en vos esta historia. Yo sé que es de Suñé, que vos lo llevas adelante y haces la puesta. Lo debes haber conocido en Córdoba. Ambos son cordobeses…

– Soy cordobés pero conocí a Suñe en persona en el estreno de esta obra.

– Ah mira vos, así que tomaste contacto con la obra antes que con él.

– Exacto, porque yo estaba buscando un material. Leí una obra de él que se llama Cataratas, que me encantó, ganadora de un premio del Instituto Nacional del  Teatro. Le escribí por Instagram, no nos conocíamos. Le dije, che, yo quiero hacer esta obra, me dijo mira yo ya la tengo apalabrada y como empezamos a ver que teníamos cosas en común, los dos cordobeses, mi segundo nombre es Sebastián, nuestras abuelas se llaman parecido, entonces le dije, che, en confianza, no tendrás otro material, porque me encanta como escribís, me dice mirá tengo una obra corta, que la presente para un concurso hace unos años, te la paso. Si te gusta, yo me comprometo a extenderla y la obra tenía 15 páginas y ahora tiene 30. Mientras yo iba montando las escenas que ya había, él iba escribiendo y me mandaba y yo probaba en el ensayo y le decía….fue hermoso. Hermoso. Seba es…un genio y ha sido muy, muy generoso. Para conmigo y bueno, eso, tenemos muchas cosas en común y yo soy de un pueblo. Nací en un pueblo, chiquitito que se llama Camilo Aldao, que tiene 4000 habitantes y bueno, los pueblos son así. Yo creo que hoy estamos avanzando en romper un montón de paradigmas, pero nosotros somos una porcioncita del mundo y acá a la vuelta están matando hombres por ser homosexuales. Pienso que la obra es muy necesaria, más en estos momentos complejos a mi entender. Creo que hacer esta obra es una decisión política. Esta obra propone encontrarse con el otro desde un lugar amoroso: la inocencia del personaje de la Primi, su manera de ver el mundo, Lucrecia que es una mujer que ha tomado la decisión de ser fiel a sí misma, eso es lo que ella aprende de su viaje y lo decide a partir de algo trágico que pasa con su hermano, pero todo eso está trabajado desde la comprensión y el amor.

Los dos planos de la obra estaban marcados, pero yo quise mostrar que los recuerdos forman parte de nosotros, que todo conviva al mismo tiempo. Entonces, el pasado y el presente, y a la inversa, hay un “entre” que se construye que me parecía muy interesante para trabajar. Como lo dice la Primi también, algo que es dos cosas al mismo tiempo.

– Qué personaje la Primi….cómo armó Lara Singer esa corporalidad…

– Mirá, en el texto se hablaba que podía ser, un niño o niña el personaje o alguien con una discapacidad intelectual o retraso madurativo, entonces yo la llamo a Lari porque ya había algo de su fisicalidad que me resultaba interesante, entonces hablamos. Le dije mirá, yo quiero que vayamos por acá. Empezamos a ver videos, yo le empecé a mandar videos, ella me decía bueno y acá también hay algo. Hablamos con psicólogas,  entonces nos nutrieron de un montón de información, porque todo está hecho con mucho respeto, con mucha verdad y bueno, en los ensayos empezamos a jugar y después, ella es una actriz muy entregada, tiene un talento interminable y después fue un trabajo artesanal, un poquito más de esto o menos de aquello, hasta encontrarle la medida. Todas las semanas, bueno, yo soy un director medio obsesivo, pero yo todas las semanas les mando devolución de la función que hacemos, entonces estoy en el detalle, intento al menos estarlo, ellos me odian un poco (risas), pero hay algo del cuidado que a mí me interesa y es que la obra se cuente de determinada manera. Nosotros ensayamos cinco meses.

– Un montón

– Si, un montón.

– ¿Y das clases?

– Doy clases, tengo mi propio espacio, que se llama satélites naturales, en el teatro no avestruz de Palermo y también soy profesor de teatro musical.

– Claro, vos sos del palo de Pepe Cibrián y Mahler

– Sí, como Suñé, si,  estuvo con Pepe, apenas vino. Sí eso también lo tenemos en común. Hice como actor varias obras con Pepe Cibrian. Soy profesor de actuación, hice la carrera en Córdoba antes de venirme. Esta obra es mi tesis de la Licenciatura en Dirección de la UNA. Así que bueno, de todo un poco. Me encanta seguir estudiando y compartir todo lo que fui aprendiendo.

– Me dan ganas de tomar clases de teatro con vos.

Y el teatro es muy necesario…yo creo que el mundo sería un lugar mejor si todo el mundo hiciera teatro.

– Es un lugar ideal para ponerse en la piel del otro

– Es un gran ejercicio de empatía, de no juzgar.

– Claro, porque a veces te pasa que haces un personaje y decís, ay….

– Si, porque el primer lugar que tenemos ya medio instaurado es el del prejuicio. Lees algo y decís…pero como esta cosa…como hizo esto. Mejor hacer como un lienzo en blanco y decir, a ver, por qué esta persona toma estas decisiones, ¿no? porque digo, actuar es un gran acto de fe y digo, para poder generar la verdad y entonces, es necesario partir desde un lugar donde no haya perjuicio, ¿no? donde todos podemos ser todo.

Lourdes Varela

–  Noté la empatía y las miradas en el tiempo antes de empezar la obra, sé que antes de empezar uno se pone nervioso. Se acompañaban desde lejos entre Uds.

– Bueno, tuvimos mucha suerte  porque además de generarse un gran equipo actoral y de trabajo se generó al mismo tiempo un  gran equipo humano, esto puede pasar o no. Yo creo que fue importante para lo que después sucede a lo largo de la obra.

A mí en particular me sucedió que por diferentes motivos conocía a varios integrantes del elenco de antes. A Eloy lo conocí en el primer taller de teatro que hice a los 16 años en timbre 4 con Soledad Southier y Daniela Pal. Así que fue muy loco encontrarnos acá y de todas maneras fue una confianza que se fue construyendo con el tiempo, con los ensayos y lo que hacemos en ese momento es darle la bienvenida a la gente, porque estamos en escena y recibirlos no desde nosotros actores sino desde los personajes que están felices de saber que tanta gente viene a escuchar nuestra historia.

– El tema del sida en estos tiempos es una enfermedad crónica…

– Bueno, por suerte casi nadie muere de sida en estos tiempos, un poco lo que hace la obra es homenajear a todas esas personas que murieron y tal vez tampoco estuvieron bien cuidadas como en el caso de Muni por toda la discriminación que antes había y que sigue existiendo, así que la obra recuerda a todas esas personas que sufrieron estando o no acompañadas. A veces por sus padres o por amigos que construyen familias que nos hacemos en el camino, también.

– Una obra que habla de la aceptación.

– Si, el personaje de la Primi también lo plasma.

– ¿Qué más te gustó de tu personaje?

– Fue un desafío muy grande y hermoso para mí y también tener que atravesar una emocionalidad que tiene un arco a lo largo de la historia. Eso como actriz es algo que me resultó lo más interesante de investigar, de indagar. De estar en lugares vulnerables pero a la vez no es una obra que tenga un mensaje desesperanzador a pesar de que es triste y eso es lo que me gusta de mi personaje y es que si bien atraviesa un momento muy duro, además Lucrecia joven que es la que está viviendo la pérdida de su hermano, también poder salir adelante de ésta. También en los dos tiempos del relato un desafío fue parecernos entre las dos, la Lucrecia joven y la madura.

Lalo Moro

– Sos desopilante Lalo. Te miraba con esos almohadones, como te movías… Es muy querible tu personaje, había tanto miedo con el sida, de contagiarse, y tu personaje está ahí.

– Si, hubo que encontrar el tono al personaje, que tiene un cambio en la obra. Es decir, toda la primera parte es como hinchapelotas, juguetón, malito. Eso de la ironía y de gastar al otro y después en la segunda escena se ve que sigue siendo él pero con todo lo que está pasando, ¿no? y bueno ahí fue un poco el desafío de entrar en ese lugar, de vulnerabilidad pero sin que pierda, quien es. Este giro apareció en los ensayos, por donde me fue guiando Rodri y un poco en la propuesta que llevé yo, que siempre me interesa sacarle el jugo a un personaje, que no sea como al pasar.

– Cómo entrás al elenco.

– Por una publicación en redes sociales, una búsqueda que estaba haciendo Rodri y justo reunía todos los requisitos, que tenga algún recorrido con personajes femeninos, que tenga tal rango de edad, que tenga horario disponible para ensayar, en Capital…yo dije: yo…yo… (risas) entro y charlamos, tuvimos una reunión por zoom y después nos conocimos personalmente con los actores y con Rodri y la verdad es que nos entendimos muy rápido. Fuimos trabajando semana a semana por objetivos.

La obra creció mucho, de 15 páginas a 30…

Como en Shakespeare Apasionado, que él va escribiendo la obra a medida que van pasando cosas…fue muy divertido.

Eloy Rossen

– Tu personaje es complejo, me hiciste acordar de Filadelfia.

– Sí, sí, ahí, algo de eso, hice un acopio de material, vi películas, Rodrigo me pasó muchas cosas, pero algo también como entrarle al ritmo de esas cosas, de esa tragedia, de ese momento, también mucha lectura

– Vos sos muy pibe, no viviste nada de eso…cuantos años tenés.

– No cero, cero, si, 22.

– Claro, porque del sida se empieza a hablar en el 82, no se conocía nada, no había tratamiento, era como después fue el covid, que no había nada para hacer, entonces era la desesperación.

– Si, a mí me pasa como con el llamado, donde no hay espacio ni para la angustia, sólo hay lugar para el no comprender, lo que no tiene sentido, que pasó, evocar algo de eso es como consecuente con lo que pasó, como que estaba pasando algo fuera de lo normal. Fueron esos materiales, libros. Leí mucho sobre Moura, de Virus, sobre Freddy Mercury, las películas que hizo, la música. Hay todo un bagaje musical, porque eso tiene de lindo la obra, como que tiene muchas referencias. Hay también un documental sobre Jáureguy. Ahí empezó a aparecer un universo y también el texto que era muy permeable, como que seguir el texto ya te iba guiando los pasos. No y también la dirección de Rodrigo para mí es increíble porque te hace estar, todo el tiempo ahí, no…más allá de que no tengas el texto, como que estás ahí presente, escuchando …como que hay algo de la puesta que está bueno también, eso de estar todos en escena. Se abre con muchas aristas, hay gente que se acerca y me dice a mí me hizo acordar de mi hermana

Viviana Suraniti

Hay una sola silla, ella me dice sentate. No, sentate vos, le digo, estás acalorada.

– Pero me da pena verla parada. Nooo, yo estuve todo el tiempo sentada mirando la obra. Vos debes estar agotada (risas). Si, vengo de dar clases.

– Dónde das clases

– Estoy en Medrano y Corrientes en una escuela que se llama “la fusión” y preparo en mi casa, chicos y chicas para entrar en la UNA y en la EMAD. Estoy contenta porque este año entraron muchos de los que preparé.

– Muy lindo personaje el tuyo.

– Un personaje que aprende y cambia desde un lugar de la sencillez y la comprensión…hay algo de la lectura también, porque su hermano le daba cosas para leer, yo la imagino así, porque algo le iba abriendo la cabeza. Tiene una mirada sensible y sabia, como una maestra. Hay algo educacional en Lucrecia. La manera de escuchar a la Primi. Hay también algo del transmitir que somos iguales en la diferencia, ¿no?…porque todos somos diferentes y eso nos iguala. Cuando estábamos en los ensayos, yo lo primero que le dije a Rodrigo es, esta no es una peluquera común, de barrio. Es más una artista, tiene algo del arte. Y es más por el hermano…ella hubiera hecho otra cosa, por ahí, más como el homenaje al hermano…es como si el hermano de alguna manera se le hubiera metido adentro del alma.

Toda esa pérdida, ese dolor la hizo crecer. Lo capitaliza bien.

Viste que ella dice: cuando yo estoy cortando y peinando, él está ahí al lado mío y me va diciendo lo que tengo que hacer.

Nos despedimos, tienen que limpiar el escenario y dejar todo listo para el día siguiente y además es muy tarde. Lo último con lo que tropieza mi mirada es la tapa de una revista Siete Días de esa época. La foto, Carlos Jáuregui y Raúl, su pareja. El título: El riesgo de ser homosexual en la Argentina.

Una vida en otra parte/Teatro del Pueblo. Lavalle 3636/Viernes a las 22.30 has//Liliana Fijtman.

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Por Liliana Fijtman*

(para La Tecl@ Eñe)

La obra nos recibe con música fuerte. Es una mezcla de grotesco, clown, sainete y barrio, mucho barrio. Están sentados mientras pasamos nosotros. Toda la historia llega visceralmente. Conocemos a estos personajes. Como vieja habitante del sur del conurbano, sé quiénes son y cómo piensan.

Ahí estamos entonces, cuando finaliza, compartiendo unos vinos con frutos secos. Brindis en la vereda.

-Son un colectivo artístico del Comedor Matute…

–Mariano Bragán toma la posta: Sí, el Comedor nació en la pandemia y hasta el día de hoy lo sostenemos junto con el Municipio de Avellaneda, que nos suministra los alimentos. Lo hacemos dos días por semana. Un grupo se junta a cocinar todos los lunes y jueves de 7.30 a 11 de la mañana y otro grupo es el que entrega y limpia la cocina. Aparte del comedor, damos talleres artísticos nuestros y también articulamos con el Programa Puntos Culturales que coordina el Municipio y por otro lado, también funciona un centro socio educativo orientado a discapacidad. Los fines de semana hacemos funciones de teatro y eventos donde se fusionan diferentes expresiones artísticas. Todo con entrada libre y con un buffet con precios accesibles. Esto hace que tengamos un fuerte vínculo con los vecinos y vecinas, conocemos su cotidiano y de eso nos nutrimos. Eso entra en nuestro imaginario y se plasma en el trabajo. También ese es nuestro público, un público muchas veces más inocente y genuino.

-De ahí sale el texto, la dramaturgia de la obra…

-Claro, Bodas de Sangre siempre estuvo rondando cerca de los payasos del Matute. Hacíamos alguna parte en los eventos del centro cultural. La leíamos, la pensábamos. Cuando empezó este avance de la violencia en las redes, en la calle, entre vecinos dije que teníamos que hacer Bodas de Sangre para mostrar esto. La adaptación fue natural, le fuimos poniendo el color del conurbano tratando de cambiar lo menos posible. Nunca quisimos hacer una versión española. Por eso no está la luna, porque para ellos significa algo muy distinto que para nosotros. Con Paula Sánchez ya tenemos una dinámica de trabajo. Le entregamos un planteo inicial y después se trabaja sobre eso.

-Estas mujeres de la obra, pura entraña. Contame un poco de la madre.

-Ale Robles: Ahora hago ese papel, pero cuando empezamos la fuimos abordando por partes, desde el clown y ahí hacía el personaje de la novia. Esta obra de Lorca es algo que amé desde que comencé a hacer teatro en el 87. Cuándo decidimos volver a hacerla la encaramos desde otro lugar, no tanto desde la historia de amor, sino desde esa madre que comienza evocando su tragedia y que es la que presiona a su único hijo a la venganza aunque eso también signifique su muerte. Cuando me ofrecieron ese rol fue increíble, un desafío hermoso. Tuve que sacarme de encima todos los prejuicios. Ensayamos con Guido, que hace de mi hijo generando un vínculo de amor. Esa madre intoxicada por los dolores que no suelta los transforma en una bandera de odio y estigmatización hacia los diferentes y hacia los que la dañaron. No perdona. Ella es un vehículo para reproducir violencia, pero también es otra víctima. Adaptamos los textos naturalmente. Tomamos las imágenes de nuestro territorio, los olores, los conflictos…El aporte de Paula en la dirección fue fundamental para que aparezcan imágenes poéticas sensibles. Es una felicidad hacer esta obra, tiene un grado de pertenencia muy potente para mí.

-Cómo es la novia…

-Esta novia se divierte, se da los gustos, contesta Caro Ghigliazza. Cuando Mariano me propuso hacer el personaje me entusiasmó la posibilidad de bailar y cantar flamenco, hablar en cordobés. En vez de ir por el camino del esfuerzo y del sacrificio aventurarme en construirla desde el goce. Por eso la disfruto tanto y estoy tan agradecida con la directora, mis compañerxs y con el gran Federico que nos permite decir una palabra profunda, comprometida con nuestro pueblo y a la vez divertirme.

Ese ir y venir entre la obra y el territorio, lo payasesco siempre fue tiñendo lo que hacíamos, nos permitíamos incluir lo que pasaba en el afuera, retoma Mariano, como en el caso del camión del chatarrero que pasaba realmente durante los ensayos y teníamos que parar porque su megáfono no nos dejaba escucharnos, ahí ladraban todos los perros del barrio. Por eso lo incluimos en la obra. Sentíamos que el camino correcto iba por ahí.

Lo mismo pasó con la música que crearon Lara Bragán y Franco Napolitano, fueron probando sonidos que le dieran cuerpo a lo que pasaba en las escenas.

Sinopsis:

Cuando el odio y la discriminación se hacen carne en una sociedad se abre paso a la tragedia.  “El conurbano” territorio de injusticias, hacinamiento, contaminación, y violencia, dejan al descubierto la sociedad que somos. En plena crisis del 2001, mientras la tragedia sucede, en los barrios del conurbano la gente trata de vivir, enamorarse, cuidar a sus hijos y huir por amor.

Ficha artístico técnica:

3er Cordón del Conurbano, una tragedia Marrón

Una adaptación de Bodas de Sangre de Federico García Lorca.

Actúan:

Alejandra Robles:  Madre / Carolina Ghigliazza: Novia / Mariano Bragan: Leonardo /

Guido Sotomayor: Novio / Manuel Luchetti: Padre/Criada / Mariela Fernández: Mujer.

Lara Bragan: Música / Franco Napolitano: Música / Escenografía: Martin Fiorini/Franco Napolitano / Técnica: German Navarro / Músicos: Lara Bragan/ Franco Napolitano.

Redes: Abril Bernardo Garbuglia / Prensa Daniel Franco.

Dirección y Puesta: Paula Sánchez.

Funciones: viernes de abril y de mayo a las 20.h

Dónde: Beckett Teatro

Dirección: Guardia Vieja 3556. Almagro

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Por Liliana Fijtman

(para La Tecl@ Eñe)

Trece integrantes, con músicos en escena, un cantante y siete bailarines que se mueven en el espacio utilizando todos los planos en un espectáculo que tiene magia, humor y creatividad a raudales en una amalgama que incluye arreglos originales de tangos tanto electrónicos como acústicos y tradicionales. Hasta el domingo 15 de septiembre se puede ver, luego se van a Rusia para participar del Festival Internacional de Teatro del Pacífico, en el Teatro Marrinsky de la Ciudad de Vladivostok.

– ¿Cómo se gesta la idea de Ocho?

–En la obra anterior a 8cho llamada Air condition creé un tango y a partir de allí me di cuenta de que tenía frente a mí todo un nuevo abanico de posibilidades de movimientos para el tango y me entusiasmé con la idea de crear un espectáculo con un ¨otro tango¨.

– ¿Tenés una rutina para la inspiración?

– En realidad, no tengo rutina, pero mis momentos de más imaginación son cuando me despierto a mitad de la noche y me pongo a fantasear y a visualizar ideas en un imaginario inventando.

– ¿Bailabas de chica? ¿Cómo eras, qué querías ser?

– Sí bailaba de chica, mi primer contacto con la danza fue con la danza clásica y quería ser bailarina clásica. Empecé grande a los 11 y no tenía las condiciones físicas de una bailarina clásica así que años más tarde ya egresada del secundario conocí a la danza contemporánea.

– ¿Cómo es un día de trabajo tuyo?

– En general ensayamos por la mañana y por la tarde hago más gestión cultural, sea con lo que tiene que ver con la producción de una obra, como así también de la gestión del espacio que dirijo: Aérea Teatro, un teatro abocado a la danza independiente y a la escuela de danza aérea. También soy parte de la comisión de coreografía de Argentores y soy Jurado de los Premios Trinidad Guevara.

– ¿Qué vas a hacer en Vladivostok?

– Vamos a un Festival. Es un Festival organizado por el Festival Chejok que es el Festival mas importante de Rusia. Ahí nos vamos a presentar en el Teatro Mariinsky haciendo tres funciones.

– ¿Ocho cuenta una historia?

– No cuenta una sola historia, cada una de las coreografías tiene una unidad de sentido que tiene que ver con lo que el tema musical que está tratando; tomo de ese tema musical sea su letra o su rítmica para darle un nuevo sentido. La obra en su totalidad está compuesta por muchos temas musicales, como un recorrido tanguero, desde temas tradicionales a composiciones originales.

– ¿Cuál es la magia de elegir un movimiento para un sonido?

– En esta obra en particular son movimientos en relación a la música, me imagino para cada tema musical cuál podría ser el mundo a crear, o la naturaleza a crear, y a partir de allí investigo y pongo mucha atención en el detalle del diseño del movimiento y la calidad en la ejecución.

– ¿Cuándo aparece en vos la necesidad de incorporar lo aéreo? ¿Y los distintos planos?

– Hace justamente 30 años descubrí que a partir de suspender a bailarines de sogas y arneses podía existir todo un nuevo mundo de movimientos, esta idea no la adquirí, sino que la descubrí y la creé.

– ¿Es pertinente pensar en el aporte de lo creativo para la sociedad o solo deberíamos experimentarlo desde la belleza?

– La danza es un arte performático de la cultura universal. Existen tendencias, manifiestos e historia de la danza. No siempre tiene el lugar que como arte se merece y muchas veces está desvalorizado su aporte a la cultura. En lo que refiere a nuestro país la danza no tiene aún una ley nacional para el fomento como sí lo tiene la música, el cine, el teatro.

8cho// Aérea Teatro, Bartolomé Mitre 4272, Almagro// Domingos a las 18 horas hasta el 15 de septiembre.

Fotos: Nicolás Foong.

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